Rete Bibliotecaria della Provincia di Como

Abstract: Che cosa hanno in comune un iPod e una Renault? Come mai Le Corbusier creava architetture innovative ma guidava un’auto dalle linee decisamente antiquate? Perché le automobili bisogna guardarle da lontano? Come reagisce l’industria delle quattro ruote ai cambiamenti della società e ai nostri timori sull’impatto ambientale? A queste e a molte altre domande risponde Curve, il saggio illustrato che Fabio Filippini – uno dei maggior car designer italiani, ex direttore del Design di Pininfarina – ha scritto con la collaborazione di Gabriele Ferraresi. Un viaggio che mette insieme la storia del car design alle esperienze personali e professionali di Filippini, che in trent’anni di carriera ha immaginato e realizzato il design di auto, camion, treni e perfino trattori che hanno conquistato il mercato mondiale: dagli esordi nel solco della grande carrozzeria italiana, fino alle collaborazioni internazionali e al suo incontro con Steve Jobs. Un libro che parla dell’auto e del percorso che porta alla sua creazione con una passione, una competenza e un’originalità che non hanno precedenti.

Abstract: Il colore è parte fondante dell'esperienza umana. Inserirlo correttamente in un design o in un'opera d'arte può migliorare l'umore di chi osserva e creare l'effetto psicologico o persino fisiologico desiderato. La Bibbia del Colore conduce il lettore alla scoperta di 100 colori significativi, esplorandone l'importanza e il ruolo nel mondo che ci circonda, dai processi industriali ai social media. Ogni profilo parte dall'origine del colore, quindi ne segue l'evoluzione e l'uso nel corso della storia fino ai nostri giorni. Inoltre viene mostrato come creare tavolozze di successo imparando a riconoscere abbinamenti armoniosi e dinamici per realizzare combinazioni dove colori diversi, freddi e caldi, si uniscono e sostengono in modi originali ed efficaci.

Abstract: Scrivendo queste storie, ho pensato non tanto a uno sfoggio di erudizione disciplinare, quanto a una condivisione delle emozioni che ogni prodotto mi ha dato, da qui la scelta di definirle "piccole" storie; senza l'ambizione di confrontarmi con le "grandi" storie ufficiali del design, che hanno ruolo e merito di trasmettere la cultura del progetto, ma con il desiderio di condividere l'idea che il design sia attività umanistica ben oltre la sua scientificità e la sua tecnica. Il design italiano, in particolare, ha la caratteristica di saper collocare i prodotti nel proprio tempo e in un contesto ben più vasto di quello dettato dai confini geografici o disciplinari, un contesto che ha al proprio centro l'uomo. Un uomo con tutti i limiti, ma anche con tutti i sogni di cui è capace.

Abstract: Il design giapponese è storicamente minimalista. L'essenzialità della rappresentazione grafica varia caratteristicamente insieme alla maturazione culturale di una nazione, e credo che in questo senso il retroterra storico del Giappone rappresenti un contesto del tutto particolare. Si può dire che l'arte di organizzare e semplificare audacemente il messaggio in uno spazio limitato, come si manifesta nelle opere delle scuole di pittura Rinpa e Kano tra il XV e il XVII secolo, sia rappresentativa della stessa cultura giapponese. Succede però anche il contrario, per esempio nella tendenza deformante dell'arte decorativa o in quella ricerca del realismo grafico che deriva da rimanenze culturali del Periodo Edo (1603-1868) - gli stili ukiyoe e hanjie -, su cui si fondano ancora gli anime, i manga e i lavori di design che sono inestricabilmente intrecciati nello stile di vita odierno. I samurai, i boccioli di ciliegio, il Monte Fuji, le geisha, il sushi e tutte quelle immagini che possono venire in mente agli stranieri quando pensano al Giappone sono senz'altro aspetti del suo fascino. La sua vera bellezza tuttavia è più intima, essendo riposta tanto nell'essenza quanto nell'insieme: nella visione più ampia, per così dire. I boccioli di ciliegio citati come esempio sono sicuramente molto belli; la loro vera bellezza sta però nel contrasto tra il rosa delicato dei petali, il blu intenso del cielo e il grigio del tronco, o fra l'attimo in cui li si vede volare nella brezza primaverile e quello in cui, appassendo rapidamente dopo tanto splendore, ci rammentano la mortalità di ogni cosa. I boccioli di fior di ciliegio sono fuori dal tempo, ma non soltanto nella loro qualità di oggetti: il design giapponese si fonda, io credo, sulla loro capacità di ampliare gli orizzonti e nutrire lo spirito dell'osservatore. Al giorno d'oggi il ruolo e il significato del design hanno acquistato e stanno acquistando un peso crescente in Giappone come nel resto del mondo. Perciò penso che sia importante aggiornare il contesto in cui abbiamo lavorato, interrogandoci su come infondere nel processo creativo l'originalità necessaria per ogni sviluppo futuro.

Abstract: Questo libro è un manifesto politico per una progettazione rigenerativa: Paolo Deganello prende le mosse dal design promosso dall'architettura del Movimento Moderno e dal ruolo che tale disciplina ha svolto nel contribuire - attraverso il disegno della forma delle merci - alla diffusione dei consumi nella società del benessere. Il decantato design italiano ha certo il merito di aver massificato l'estetico, portando nel disegno dei prodotti le innovazioni promosse dai movimenti artistici di quegli anni, ma ha il torto di aver dato consenso estetico ad una produzione che è responsabile del degrado ambientale odierno, ben rappresentato dalle montagne di scarti di prodotti in plastica che il design promuoveva come sinonimo di modernità. Questo libro parla del design che è stato insegnato e di quale design si dovrebbe insegnare, con l'obiettivo di promuovere una produzione e un consumo di merci capaci di ridurre l'accumulo di rifiuti e i rischi di distruzione della vita sul pianeta. Deganello propone una scuola diversa, che prepari le nuove generazioni a rivendicare una diversa committenza di progetto e che permetta al design del XXI secolo di contribuire - attraverso il consenso estetico - a una radicale conversione ecologica delle merci

Abstract: Una storia del design è al tempo stesso una storia culturale, nella quale ogni oggetto legato al vivere quotidiano va letto nel contesto della complessa e non sempre lineare evoluzione del gusto, delle abitudini di consumo, dell'universo industriale. Enrico Morteo offre una panoramica molto ampia e traghetta il lettore dalla metà dell'Ottocento all'oggi, identificando gli orientamenti di domani. Attraverso un doppio registro cronologico e geografico oltre 200 doppie pagine tematiche affrontano altrettanti temi in un dialogo costante tra Europa, Stati Uniti e l'emergente Estremo Oriente. 600 oggetti includono il design di prodotto, gli arredi e accessori per la casa e l'ufficio, il car design, il design tecnologico, ma anche prodotti alimentari, packaging, abbigliamento, dalle icone universali agli oggetti del quotidiano.

Abstract: Il testo è un manuale di riferimento completo per gli arredatori d'interni, ricco di consigli e di esempi pratici su tutti gli aspetti dell'interior design, dallo sviluppo dell'idea iniziale alla realizzazione esecutiva del progetto. Organizzato per unità di apprendimento progressivo, è anche un ideale strumento di studio per chi si avvicina alla professione. Chiare e dettagliate istruzioni seguono passo passo l'intero iter di progettazione, con consigli per trovare l'ispirazione, pianificare lo spazio, scegliere i colori e utilizzare i materiali. Numerosi esempi finiti, realizzati da celebri arredatori d'interni, sono un utile riferimento per sviluppare nuovi progetti e offrono preziose indicazioni sulle tecniche di lavoro dei designer professionisti. L'unità finale fornisce informazioni essenziali per l'avvio e la gestione dell'attività professionale.

Abstract: Qualsiasi cosa faccia parte della nostra vita di utilizzatori, dal nostro smartphone al pulsante "Mi piace" di Facebook, da un supermarket a un sistema autostradale, è stato progettato da qualcuno. L'autore mostra, con esempi di decine di campi di applicazioni differenti e considerazioni pratiche, come il design in molti casi possa essere di successo e in altri invece fallire perché di fatto confonde o ostacola le persone. Il libro è utile per i designer, ma anche e soprattutto per i responsabili che devono commissionare prodotti o interfacce comunicative per servizi, perché è importante come porre le domande corrette e come redigere un piano preciso riferito alle specifiche per ottenere soluzioni di design efficienti per l'utilizzatore. Se siete interessati a capire che cosa è il design e come sia presente nella vita che ci circonda, questa è un ottima e divertente guida.

Abstract: Le origini dei colori tradizionali del Giappone si perdono nell'antichità. Dal fiore di ciliegio al bambù fuligginoso, dal verde aghi di pino alla vasta gamma dei marroni tè, i loro nomi evocano il fascino che da sempre la natura e il mutare delle stagioni esercitano sulla sensibilità giapponese. Inizialmente adottati nell'abbigliamento per indicare il rango, i colori tradizionali hanno visto i loro significati espandersi nel corso del tempo fino a includere oggi ogni sorta di oggetto di design. Questo volume celebra una selezione di 200 colori (iro, in giapponese), ciascuno esemplificato da uno o più oggetti che vanno dai kimono del XVI secolo alle sedute contemporanee, dagli utensili da cucina alle più raffinate ceramiche. Accanto a creatori quali Naoto Fukasawa, Issey Miyake e Reiko Sudo ritroviamo talenti meno noti o del tutto sconosciuti che hanno dato forma a una peculiare e durevole tradizione del design nipponico, tra tecniche artigianali ancestrali e tecnologie d'avanguardia. Ogni colore è contestualizzato da un breve testo descrittivo sulle sue origini e sull'influenza che ha esercitato in vari ambiti, con notizie sui pigmenti da cui venivano ricavate le pregiate tinture (come l'onnipresente blu indaco), o sui personaggi storici che hanno reso popolari alcune tonalità, come il maestro della cerimonia del tè Sen no Rikyu.

Abstract: L'affermazione del disegno industriale, specialmente nel secondo dopoguerra, si deve all'attività svolta dagli architetti diventati protagonisti del passaggio dalla dimensione artigianale a quella industriale delle imprese, tanto nell'arredo quanto nell'industrial design. Attraverso l'analisi della produzione dei più importanti progettisti del Novecento italiano Fiorella Bulegato e Elena Dellapiana evidenziano coincidenze e distanze di approcci metodologici e pratici tra l'attività del designer e dell'architetto. Ne emergono visioni diverse che si compongono di variegate declinazioni sulla concezione dell'oggetto: dal pensarlo come struttura, composizione di elementi o contenitore di meccanismi, fino alle riflessioni che si originano dalla natura dei materiali, dalla funzione o dal dibattito sullo spazio abitativo. Il libro, scandito in quattro sezioni temporali (dagli anni Venti alla seconda Guerra mondiale, l'affermazione degli anni Cinquanta, la crisi degli anni Sessanta, la condizione contemporanea), dedica a ogni protagonista selezionato una scheda che, attraverso approfondimenti paralleli sull'architettura e sul disegno industriale, associa progettista a oggetti progettati.

Abstract: Nel panorama internazionale del design le imprese italiane rappresentano da oltre mezzo secolo un'eccellenza globalmente riconosciuta, tanto dal mercato, quanto dal mondo della cultura e della progettazione. Lo testimonia il numero di prodotti delle nostre aziende esposti nelle collezioni permanenti dei principali musei di design e arte applicata del mondo. Lo conferma lo straordinario successo di una manifestazione come il Salone del Mobile di Milano, diventata negli anni il punto di riferimento indiscusso della comunità internazionale del settore. Lo ricordano i numeri dell'economia, che descrivono un'industria capace di competere con i colossi tedeschi, americani e cinesi grazie alle armi vincenti della qualità e dell'innovazione, caratteristiche che hanno reso le nostre aziende grandi ben oltre le loro dimensioni. Qualità e innovazione sono il fil rouge lungo il quale si sviluppano le dieci storie di design Made in Italy contenute in questo volume. Attraverso il racconto di progetti, aspirazioni, speranze e strategie imprenditoriali di eccellenze tutte italiane come Alessi, Artemide, B&B Italia, Caimi Brevetti, Cassina, Driade, Gufram, Kartell, Molteni&C e Zanotta, Giovanna Mancini mostra come dietro queste storie di successo ci sia sempre un elemento comune: l'attitudine a sperimentare e investire nella ricerca per proiettare la tradizione manifatturiera italiana nel futuro.

Abstract: Made in Italy è una «parola-valigia» che contiene le cose piú diverse: oggetti e arredi per la casa, abiti, scarpe e borse, auto e motocicli, cibi raffinati o in scatola, ma anche atmosfere e stili di vita. Made in Italy è il label lasciapassare che conferisce prestigio alle merci sul mercato globale ed è da sempre oggetto di discussioni e protezionismi. Ma soprattutto Made in Italy allude a qualcosa di impalpabile quanto potente, condiviso in tutto il mondo e sinonimo di eleganza e della magica alchimia tra innovazione e tradizione. Questo volume si interroga su come si sia giunti a una formula che ha comunicato e amplificato il prodotto italiano fin dalle esposizioni universali del XIX secolo, mettendo a fuoco, anche grazie ad azioni normative e propagandistiche, categorie che arricchiscono la semplice accezione di «fatto in Italia»: mediterraneità, artigianalità, artisticità, ingredienti che, a loro volta, contribuiscono a definire la sfuggente dimensione del design. Ed è il design, nel suo passaggio da artigianato artistico a prodotto industriale, ad aver sollecitato nei mercati e nel pubblico internazionale quelle reazioni, per lo piú favorevoli se non adoranti, che hanno contribuito a modellare una vera e propria categoria dello spirito, in un continuo gioco di rimandi tra spunti provenienti dai progettisti e dalle aziende italiane e riflessi rintracciabili nei paesi piú attivi nel dibattito sulla cultura del progetto.

Abstract: Come flora e fauna dei nostri paesaggi domestici e urbani, esistono oggetti che ci sfilano sotto gli occhi ogni giorno: utili e umili, alcuni li troviamo ordinati nello stipetto del bagno o nella dispensa della cucina, altri sul tavolo di lavoro, per le strade oppure in giardino. Sono le "semplici formalità", radiosi esempi di un design efficace senza compiacimenti stilistici né vanità. E proprio per questo iconici e senza tempo. Giulio Iacchetti ha scelto trentadue di questi oggetti piacevolmente minimi per rendere loro giustizia e celebrarne la forma. Lo fa attraverso le immagini, con scatti realizzati ad hoc, e attraverso le parole, raccontando le storie e le curiosità che stanno dietro agli scacchi Staunton, all'Arbre Magique, alle pedine del Monopoli o allo stecco del gelato. Lo sguardo incantato del progettista si combina a quello divertito e brillante del fruitore, così che questi oggetti diventano di volta in volta protagonisti del suo vissuto quotidiano o dei suoi ricordi. Una dichiarazione d'amore e gratitudine a questi compagni familiari e gioiosi che con la loro perfetta semplicità hanno accompagnato nei decenni l'evoluzione delle abitudini di tutti noi.

Abstract: Nel presente si guarda al passato per vedere cosa, effettivamente, sia cambiato. Questa la riflessione da cui è partita Orith Kolodny nel progettare questo agile volumetto, color rosa-cioccolato, che richiama la nostra attenzione sulle trasformazioni di cui siamo testimoni. Lo fa contrapponendo - in un dialogo senza parole - simboli, icone, modi fare e pensare. La colomba, icona di pace, si trasfigura nell’uccellino che connota l’universo social di Twitter. La cabina del telefono ha ormai perso ogni tipo di materialità, ora si va in cerca dell’astratto simbolo della rete wi-fi. Questi sono solo alcuni degli esempi contenuti in questo libro intergenerazionale, nel quale i cambiamenti vengono illustrati senza giudizio, benché talvolta ci conducono ad abbandonarci in un momentaneo sorriso amaro.

Abstract: In rete contenuto e marketing sono centrali ma spesso non si presta la giusta cura nella scrittura per i media digitali, sacrificando la creatività e limitandosi a ripetere formule ormai note e poco efficaci. Questo libro aiuta a trovare le parole quando sembra di non averne. È un modo di avvicinarsi alla scrittura attraverso un approccio che include i principi del design, con l'obiettivo di smettere di scrivere sempre le stesse cose e imparare a raccontarsi condividendo idee ed esperienze, immedesimandosi in chi legge. Il punto di partenza è il processo di ricerca: imparare a farsi le domande giuste, definire messaggio, contesto e obiettivi, pensare e agire come un designer, immaginando nuovi percorsi. Quindi viene data grande attenzione a buoni e cattivi esempi di scrittura tratti da siti web, newsletter, social network e blog: consigli semplici da cui prendere ispirazione. Gli esercizi che chiudono il volume consentono infine di mettere alla prova quanto appreso e sperimentare alla ricerca di uno stile personale. Una guida ricca di spunti e suggerimenti, dedicata sia a chi scrive per professione sia a chi lo fa per passione su un sito, un blog o un social network.

Abstract: A chi non à mai capitato di spingere una porta invece di tirarla o di rinunciare a lavarsi le mani perché non riesce ad azionare il rubinetto? In questi casi la sensazione di incapacità personale è molto forte: eppure, sostiene Norman, la colpa non è dell'utente, bensì di chi ha progettato questi oggetti d'uso comune senza considerare le normali attività mentali la cui conoscenza è essenziale per la progettazione di un ambiente ben organizzato e rispondente alle esigenze della mente. L'autore nel corso del libro passa in rassegna un gran numero di oggetti, accompagnando l'analisi del design con aneddoti e analizzando atti mancati, errori piccoli e grandi, incidenti, dimostrando che il responsabile è il design che induce ad errore.

Abstract: Storia del design e storia delle innovazioni tecnologiche s'intrecciano in maniera indissolubile nelle pagine di questo manuale. Tante sono le discipline qui considerate. Oltre al campo del design per l'arredo - che spesso esemplifica in maniera eccellente le più ampie linee di ricerca progettuali - è stato preso in esame un largo ventaglio di settori: da quello degli oggetti tecnici alla grafica e alla moda, dal car design a quello sociale, includendo il più delle volte riflessioni sulla ricaduta che il progetto ha sulla storia del costume nelle sue applicazioni alla vita reale

Abstract: Protagonista di questo flip-book è Lampadina, progettata nel 1971 da Achille Castiglioni: una lampada da tavolo e da parete con un rocchetto per avvolgere il filo, una lampadina smerigliata per non abbagliare, un buco nascosto con una doppia funzione e, soprattutto, una semplicità d’uso che sorprende tutti.

Abstract: In un mondo caotico, tutti noi cerchiamo la semplicità. Non vogliamo perdere tempo a riconfigurare i nostri smartphone, ad armeggiare con le stampanti digitali o ad arrancare su moduli online. Vogliamo una tecnologia che funzioni. Tuttavia chi progetta per il Web e per il mondo digitale, spesso si trova di fronte alla richiesta di stipare tante funzioni in poco spazio o è orientato in layout che si rivelano più complessi che mai. Questo volume mostra - con umorismo, esempi efficaci, citazioni e casi di studio - come progettare in modo semplice, funzionale e usabile. Il libro fornisce preziosi consigli ai team che lottano per soddisfare le richieste contrastanti dei clienti e include un'ampia guida per i product manager di software.