Rete Bibliotecaria della Provincia di Como

Abstract: Il film è uno spettacolo: qualcosa cioè che non racconta una storia alla maniera della letteratura, del romanzo, ma la rappresenta nell’atto del suo accadere sotto gli occhi dello spettatore. Perciò, nell’esperienza della visione cinematografica, lo spettatore assume il ruolo non del «lettore», ma di un vero e proprio «testimone oculare», sempre emotivamente coinvolto dall’azione che si svolge. Si tratta di un’esperienza unica perché unica è la forma di spettacolo che il cinema, nel panorama delle arti, assume. Con un qualche paradosso, però, le teorie cinematografiche, da qualche parte, e l’estetica dall’altra, sembrano aver rimosso, se non proprio ignorato, questo aspetto che appunto caratterizza la natura del film: essere un fatto di drammaturgia e non narrativo, l’aver contribuito a rifondare, in maniera radicale, la stessa nozione di «arte», che si è sviluppata e ha trovato, in vario modo, espressione non solo nel cinema ma in tutte le arti del Novecento.Questo volume, per la prima volta, analizza il concetto di «spettacolo cinematografico» come emerge sia da una rilettura dei teorici dalle origini agli anni Sessanta (da Louis Delluc a Sergej Ejzens?tejn, da Umberto Barbaro a Edgar Morin) sia dalla storia dell’estetica, e perciò offre un panorama ricco e completo che configura anche un nuovo modo di considerare tanto la storia delle teorie quanto la storia dell’estetica cinematografiche.

Abstract: L'estetica è una disciplina essenzialmente moderna che si costituisce però come risposta a problemi le cui radici affondano nel terreno del pensiero antico e medievale. Questo libro traccia la storia dell'estetica da Kant a oggi, dal costituirsi di questa disciplina come disciplina filosofica fino all'attuale messa in questione del suo statuto, delineando il percorso attraverso cui si è giunti alla nozione moderna di estetica. Lo scopo è quello di soddisfare ogni esigenza di informazione e di obiettività storiografica, senza trascurare di mostrare anche il carattere problematico e aperto delle ricerche attualmente in corso.

Abstract: Intorno alla metà del Settecento, apparve l'Aesthetica di Alexander Gottlieb Baumgarten, un libro che inaugurò una disciplina scientifica mai esistita prima e mutò radicalmente la concezione dell'arte giunta fino alle soglie dell'età moderna. La storia dell'estetica, che si schiude in queste pagine, muove, appunto, da questo gesto inaugurale di Baumgarten per ricostruire, attraverso la disciplina fondata dal pensatore tedesco, il senso della moderna concezione dell'arte. Da Schiller a Hegel, fino all'analitica esistenziale di Heidegger e al decostruzionismo di Derrida. Oltre a ricostruire la riflessione sull'arte della filosofia classica tedesca, da Baumgarten a Nietzsche, il volume si sofferma a lungo sugli autori del Novecento, anche italiani.

Abstract: I brevi capitoli che seguono non costituiscono né vogliono costituire una trattazione sistematica d'un problema così complesso e, in questo momento, così discusso come quello della linguistica e dello strutturalismo applicato all'estetica - o meglio d'un approccio semiotico dei diversi linguaggi artistici - ma soltanto additare alcune possibili applicazioni pratiche all'analisi di talune creazioni artistiche. I linguaggi artistici qui considerati vanno dall'architettura alla televisione, dalla letteratura alla fotografia; sarà opportuno ovviamente che lo studente integri questi appunti con la lettura approfondita di qualcuno almeno dei maggiori studiosi dei problemi linguistici e semiologici applicati all'arte come Roman Jakobson, De Saussure, Martinet, Barthes, Greimas. (Dalla premessa)

Abstract: La miglior retorica è quella che non si nota. Se chi ci ascolta si accorge che stiamo usando degli artifici, l'effetto è compromesso. Gli avvocati di una volta lo sapevano: guai a farsi sospettare esperti, guai a far trasparire le proprie capacità. Non per nulla l'idea che la vera arte consista nel nasconder l'arte è stata teorizzata per la prima volta nella retorica classica, da Aristotele a Cicerone. Ma, a partire da qui, questo curioso paradosso compie una carriera inaspettata, proliferando nei campi più disparati: dalla cosmetica alla politica, dall'arte del tiro con l'arco a quella del giardino, dal galateo all'abbigliamento, senza dimenticare naturalmente le arti nel senso consueto della parola, dalla pittura alla musica, dalla danza alla poesia. Come dovrebbe fare ogni buon saggio di storia delle idee, questo libro mette in rapporto luoghi, autori e testi tra i quali non sospetteremmo alcun collegamento. Si dipana così una storia che attraversa tutta la cultura occidentale, dall'anonimo del Sublime al Cortegiano di Baldassar Castiglione, dai moralisti francesi a Leopardi, da Ovidio a Dryden, da Michelangelo a Duchamp, ma a partire dalla quale è possibile gettare un ponte anche verso le filosofie orientali dello Zen e del Tao. Ma attraverso la storia dell'ars est celare artem scopriamo anche qualcosa di essenziale per l'idea stessa di arte, il suo essere sempre inevitabilmente regola e invenzione, tecnica e creatività, tradizione e innovazione.

Abstract: Quando ci sediamo su una panchina in cerca di un momento di riposo o per godere della vista di un paesaggio, quasi mai ci rendiamo conto di quanto questo oggetto, in apparenza banale e insignificante, funzioni come una vera e propria macchina visiva, intelligente e visionaria, in grado di farci comprendere la realtà che abitiamo. Obbedendo a una semplice quanto efficace strategia visiva, la panchina, mentre apparta dal flusso del mondo, crea situazioni e paesaggi particolari, insegna, suscita, cita. Orienta il nostro sguardo e modella il nostro stato d'animo. Michael Jakob ci guida in un viaggio sorprendente attraverso i giardini e le epoche, dalla Toscana rinascimentale alla Francia del Settecento, dalla Russia degli anni Venti ai paesaggi industriali della contemporaneità, provando a ricostruire le molteplici vite di un'entità desueta: dalle panchine reali, come le panche di via di Firenze o Pienza e quelle stravaganti di Bomarzo, a quelle letterarie (Rousseau, Stifter, Sartre), artistiche (Manet, Monet, Van Gogh, Liebermann) o cinematografiche (Vertov, Antonioni).

Abstract: In questa breve introduzione, dopo una rassegna della letteratura storico-artistica prodotta in seno al marxismo, l'autore mostra le relazioni tra la storia dell'arte marxista e la storia sociale dell'arte, la sociologia dell'arte, la storia dell'arte di stampo borghese e la teoria dell'arte di stampo anarchico. Descrive poi le varie declinazioni con cui l'approccio marxista può essere applicato all'analisi artistica, esemplificandole con quattro saggi che prendono in esame la produzione artistica di diversi periodi storici. La semplicità e la chiarezza con cui è strutturata l'esposizione degli argomenti e un dizionario in cui vengono spiegati i principali concetti del marxismo classico fanno del volume anche un utile strumento di consultazione rapida. Arricchisce il volume la traduzione integrale del rapporto di Frederick Antal "Sui musei dell'Unione Sovietica", del 1932.

Abstract: Delle arti - di ciò si tratta in questo libro. Delle arti, appunto, al plurale. O anche della problematicità di un singolare - l'arte -, che si rifrange ogni volta in una molteplicità lontanissima dall'essere omogenea. Jacques Derrida non si è mai sottratto alla sottile quanto inevitabile ingiunzione che le arti del visibile, ossia il disegno, la pittura e la fotografia, ma anche il cinema, la videoarte e il teatro, suscitano per il solo fatto di esistere. Ed è vero - come il lettore potrà constatare - che la decostruzione trova nelle arti un'occasione assai feconda di esplicitare, mettere alla prova e sperimentare la portata dei suoi concetti. Per quanto concerne il visibile, infatti, si tratta sempre, anche se in modalità differenti nelle arti e rispetto alla scrittura, della traccia, del tratto, di spettri, e dunque di un vedere senza vedere niente. Derrida non avrà pensato che a questo non vedere, come rivelano i testi qui raccolti (saggi, interventi, conferenze, interviste, scritti per cataloghi d'arte), apparsi lungo l'arco di venticinque anni di attività e pratica di scrittura, successivi alla pubblicazione di La vérité en peinture (1978) fino al 2004.

Abstract: La beata riva è un breve trattato di estetica sul valore della meraviglia, sull'arte come svelamento della natura e sul ruolo del critico come continuatore dell'opera dell'artista. Scritto nel 1900 e pubblicato da Treves con dedica dell'autore a Mariano Fortuny e prefazione di D'Annunzio, il testo è oggi riproposto con un commento e un saggio introduttivo, a cura di Pietro Gibellini, in cui si da conto dei rapporti tra Conti e D'Annunzio, dell'ambiente intellettuale e della critica d'arte del primo Novecento.

Abstract: L'impatto tra l'arte e le nuove tecnologie elettroniche (dalla computer graphics alla realtà virtuale) è attualmente oggetto di un dibattito esteso a una quantità di saperi e discipline. Ma come è cambiata la natura stessa dell'arte? Come è cambiata la nostra percezione della sua tradizionale funzione di produzione del nuovo? La pratica artistica può ancora considerarsi come in passato l'esempio più eminente della creatività umana? Massimo Carboni e Pietro Montani hanno raccolto le pagine di venti maestri sul tema del rapporto tra arte e tecnica. Tra questi: Valéry, Brecht, McLuhan, Heidegger, Adorno, Baudrillard, Maldonado, Lévy.