Rete Bibliotecaria della Provincia di Como

Abstract: Idem di Giulio Paolini, edito nella collana Einaudi letteratura, nell’aprile 1975 è stato uno dei più fortunati volumi della collana sperimentale diretta dal critico d’arte e studioso Paolo Fossati. Tale fortuna è sicuramente motivata anche dall’illustre firma di Italo Calvino, che accompagna le prime pagine con il saggio “La squadratura”, profonda riflessione sul rapporto tra dipingere e scrivere.

Abstract: A quasi vent’anni dalla scomparsa del grande scultore lombardo Francesco Somaini (1926-2005) il volume ne approfondisce per la prima volta la produzione pittorica, sottolineandone la stretta relazione con la creazione plastica. Attraverso un gruppo scelto di dipinti, eseguiti tra il 1950 e il 1965, rappresentativi delle varie fasi creative e delle diverse tecniche, il lettore è condotto nel cuore del laboratorio dell’artista attraverso sezioni tematico-cronologiche che analizzano momenti esemplari della sua attività, accostando dipinti, disegni e sculture di riferimento, esposti nelle collettive e personali più importanti del periodo. A cominciare dalla rassegna epocale Sessanta maestri del prossimo trentennio, curata da Carlo Ludovico Ragghianti a Prato nel 1955, grande estimatore della pittura dell’artista, che così scrive: “Francesco Somaini, scultore e pittore, in alcuni studi mostra un’esigenza profonda di spogliare, di andare alla radice essenziale delle cose: la capacità di sondaggio di un organismo si accompagna a un’eguale capacità di sintesi, che porta le sue immagini verso la calma monumentale di una compagine architettonica; ma lo sviluppo della forma, sorgente e come nascente da uno spazio partecipe con una scoperta vibrazione di vitalità, mantiene un tormento a volte tagliente, che si accentua nei disegni”.

Abstract: Il volume è il catalogo della mostra omonima allestita a Genova presso il Palazzo Ducale dal 6 ottobre 2022 al 22 gennaio 2023, una straordinaria esposizione per raccontare la grandezza del massimo pittore barocco di sempre: Peter Paul Rubens e il suo rapporto con la città. Il progetto nasce in occasione del quarto centenario della pubblicazione ad Anversa del celebre volume di Rubens Palazzi di Genova (1622). Rubens soggiornò in diverse occasioni a Genova tra il 1600 e il 1607 ed ebbe così modo di intrattenere rapporti diretti - e in alcuni casi molto stretti - con i più ricchi e influenti aristocratici della città. In mostra e nel catalogo sono presentate più di 150 opere, tra le quali hanno il ruolo di protagonisti oltre venti Rubens provenienti da musei e collezioni europee e italiane (con alcuni 'rientri' molto significativi), che si sommano a quelli presenti in città, giungendo così a un numero come non vi era dalla fine del Settecento a Genova; da quando, cioè, la crisi dell'aristocrazia con i contraccolpi della Rivoluzione Francese diede avvio a un'inesorabile diaspora di capolavori verso le collezioni del mondo. A partire dal nucleo rubensiano, il racconto del contesto culturale e artistico della città nell'epoca del suo maggiore splendore viene completato da dipinti degli autori che Rubens per certo vide e studiò (Tintoretto e Luca Cambiaso); che incontrò in Italia e in particolare a Genova durante il suo soggiorno (Frans Pourbus il Giovane, Sofonisba Anguissola e Bernardo Castello), o con cui collaborò (Jan Wildens e Frans Snyders). Disegni, incisioni, arazzi, arredi, volumi antichi, perfino abiti, accessori femminili e gioielli consentono di celebrare la grandiosità di una capitale artistica visitata da uno dei maggiori artisti di tutti i tempi e confermano quell'appellativo di Superba che fu dato a Genova. Il catalogo è riccamente illustrato e dà conto del lungo percorso di studi e approfondimenti scientifici da parte dei curatori e i saggi tematici vedono i contributi di un consistente numero di studiosi internazionali.

Abstract: Guardare un quadro costituisce una guida accessibile allo studio e alla comprensione della pittura a partire dall'analisi di singole opere esemplari. L'autrice accompagna il lettore lungo un tragitto che gli permette di sviluppare le proprie capacità visuali, analitiche e storiche, invitandolo a scoprire il sistema di funzionamento di ogni immagine artistica, i suoi caratteri costitutivi e il loro rapporto armonico all'interno dell'opera. Ogni capitolo del volume è dedicato agli elementi di base a disposizione dell'artista nel momento in cui realizza l'opera (composizione, spazio, forma, tono, colore). Al contempo viene sottolineata l'importanza del tema, il ruolo della tecnica impiegata e il particolare contesto storico d'appartenenza (destinatario, messaggio, intenzione artistica...). Il volume è illustrato da oltre 100 immagini a colori e in bianco e nero appartenenti alla tradizione europea e americana, da Piero della Francesca a Paolo Uccello, da Caravaggio a Rembrandt, da Van Gogh a Botticelli, da Picasso a Matisse, da Rothko a Kiefer.

Abstract: Quanti modi esistono per rappresentare un paesaggio? Gli artisti di tutti i tempi hanno adottato mille stili diversi per dipingere la natura. In compagnia di una guida speciale, Leo e i suoi amici partiranno per un viaggio straordinario alla scoperta del potere dell'arte, capace di trasformare la realtà di tutti i giorni in un mondo magico, fatto di emozione, luce e colore.

Abstract: Guardare le opere d’arte può essere un'esperienza piacevole, eccitante o commovente, ma alcune immagini - e queste sono spesso le più gratificanti - richiedono alcune spiegazioni prima di poter essere pienamente comprese. Approfondendo le origini, i disegni e i temi di oltre cento opere di diversi periodi e luoghi, il volume ci aiuta a capire come guardare e analizzare i quadri. Susan Woodford mostra come si può leggere un quadro esaminando i dispositivi formali e stilistici usati dagli artisti, ed esplora temi e soggetti popolari e la relazione dei dipinti con le società che li hanno prodotti.

Abstract: «Salvador, come indica il suo stesso nome, è destinato a riscattare la pittura dalla vacuità dell’arte moderna».Questa affermazione categorica, anche se di primo acchito, per il suo egocentrismo, potrebbe sembrar scritta dallo stesso Salvador Dali, appartiene alla penna del famoso filosofo catalano Francisco Pujols. Quando, nel 1937, costui scrisse questa frase, in pieno caos surrealista, ammetto - con modestia, per una volta almeno — che io stesso, nonostante i miei ambiziosi imperialismi di ogni genere, non ci credetti molto. Oggi, tuttavia, constato di esser giunto, passo a passo, alla ferma convinzione che è proprio così. Questo è dovuto essenzialmente al fatto che la mia intelligenza è costantemente cresciuta parallelamente alla mia ambizione che, come tutti sanno, è stata sempre eccelsa e maestosa fin dalla mia più tenera infanzia.E posso così affermare, a ragion veduta, che nei giorni immediatamente successivi all’inizio della stesura di codesto libro mi sentivo ancor più intelligente di quanto lo fossi prima. Per buona sorte! Infatti, per essere in grado di scrivere un testo simile - una sorta di iniziazione culinaria al mistero eleusino della pittura — e per riuscire a render limpidi i segreti tecnici più oscuri, che sembrerebbero esigere l’arte della magia unita alla pratica della pittura stessa, non basta essere terribilmente intelligente. Giungo realmente al punto di nutrire il sospetto profondamente radicato che tutte le più eccelse intelligenze riunite insieme non sarebbero sufficienti per trionfare in un’impresa simile, e che, di conseguenza, lo scrittore che intraprenda un tale compito debba possedere, in aggiunta, un’altra cosa sovraessenziale, e quest’altra cosa, questa «quintessenza» dell’essenziale, che si dà il caso sia esattamente quella necessaria per dipingere un bel quadro, io la possiedo, devo nuovamente dirlo.(Dal Prologo di Salvador Dall)

Abstract: Vedendo un'immagine dell'Annunciazione, una donna si identifica con la paura che sembra vissuta dalla protagonista del quadro. Inizierà allora un percorso tra città italiane, piccoli paesi, musei, chiese, alla ricerca di altre famose rappresentazioni dell'Annunciazione, un viaggio che è anche ricerca di sé. Il racconto si fonde con la confessione personale e con un excursus storico sulle interpretazioni di Maria, dagli albori del cristianesimo.

Abstract: Il volume insegna le tecniche fondamentali per disegnare occhi, pelliccia, artigli, denti e squame di una vasta gamma di animali, a partire da quelli più familiari fino ad arrivare ai più esotici. Il lettore impara numerose tecniche di disegno e colorazione, dalla matita al carboncino; dai pastelli agli acquerelli; dai colori gouache agli acrilici fino ai colori ad olio.

Abstract: Un'acuta ricognizione di territori cari all'autrice, che da sempre fa la spola tra il mondo della scrittura e quello dell'arte. Affascinante come un romanzo, documentato come un saggio accademico, La felicità delle immagini, il peso delle parole non è né l'una né l'altra cosa: è piuttosto un'acuta ricognizione di territori cari all'autrice, che da sempre fa la spola tra il mondo della scrittura e quello dell'arte. Se gli anni trenta del secolo scorso sono stati tutto un fervore di scambi e relazioni tra questi mondi, già negli anni sessanta quella temperie veniva rievocata con una sorta di nostalgia da Pasolini, che pure insieme ai colleghi ha praticato la stessa dimensione di prossimità. Moravia che non smette mai di disegnare; Calvino che insinua che chi si esprime col pennello sia più felice di chi usa la penna; Volponi che del collezionismo di quadri fa quasi una malattia. Ne esce il ritratto di un tempo vivido e interessante, ricco di idee in perenne circolazione: perché il rapporto fra parola e immagine nei testi letterari mai come oggi è attuale e ricco di implicazioni.

Abstract: Sai che esiste un posto in cui puoi attraversare un campo di fiori, danzare sotto un cielo stellato, urlare di paura, gridare di gioia e vivere tutte le emozioni del mondo? E tutto in un giorno solo! Dove? Al museo! Entra nelle sue stanze e vivi l'avventura sorprendente dell'arte: guarda i quadri, crea il tuo capolavoro, disegna e colora le attività che trovi nel libro!

Abstract: Il celebre critico John Ruskin raccontava spesso che la sua amica Lady Simon, di ritorno dal Devonshire durante un temporale, aveva visto in treno un passeggero alzarsi di punto in bianco, aprire il finestrino e sporgere la testa nella pioggia e nel vento. Finalmente rientrato, il volto fradicio e grondante, l'uomo aveva detto soltanto: «Volevo osservare lo spettacolo». Nel 1844, alla Royal Academy, Lady Simon avrebbe visto gli effetti di quel viaggio in un dipinto: "Pioggia, vapore e velocità" di William Turner. Era lui, lo strambo passeggero. È questa, secondo Flavio Caroli, una delle primissime esplosioni della modernità dentro un'opera d'arte. Prima delle precipitazioni futuriste, delle scomposizioni cubiste, delle deformazioni espressioniste e delle fantasmagorie surrealiste, prima delle acque palpitanti di Monet e dei cieli vorticosi di Van Gogh, prima che insomma la multiforme orda delle avanguardie inondasse il campo dell'arte spazzando via ogni regola codificata, c'era la velocità di questo treno lanciato nella brughiera in un turbinio di pioggia e vapore, sempre sul punto di travolgere la piccola lepre che lo precede annaspando sui binari, immagine della natura e forse del mondo finora conosciuto. E da qui Caroli parte, attraversando a grandi falcate l'arte del tardo Ottocento e della prima metà del Novecento, sulle tracce dei movimenti e dei singoli eroici artisti che «decisero di obbedire a una pulsione creativa in contrasto con la tradizione e con il pensiero del corpaccio borghese dal quale proveniva. Per la prima volta, un artista desiderava essere non il cantore della propria società, ma il profeta solitario che avrebbe forse guidato le anime della società del futuro». E infatti lo spirito della modernità permea la loro arte, sondando i misteri della vita sotto la lente delle grandi scoperte dell'epoca, tra relatività einsteiniana e inconscio, coscienza di classe, piccole e grandi rivoluzioni. "Elogio della modernità" è un libero e personalissimo antimanuale di storia dell'arte moderna, che toglie la patina oleografica e la polvere museale alle opere di Renoir e Picasso, di Matisse, di Klimt, Kandinskij, Morandi, Mirò e tanti altri, mettendoli in rapporto tra loro, confrontandoli con la produzione accademica coeva e seguendone l'eredità fino agli artisti contemporanei.

Abstract: Come si guarda un quadro? In questo libro, che raccoglie i suoi articoli più significativi, Vittorio Sgarbi cerca di spiegarlo in un linguaggio semplice e chiaro, libero da qualsiasi tono accademico. Nel suo stile appassionato, Sgarbi rivela e svela la varietà e la ricchezza delle opere d'arte: Un sogno perché è assolutamente vero che io, come ognuno che guardi con amore la pittura, l'ho trasformata dentro di me in una fonte inesauribile di piaceri e suggestioni, in una proiezione personale della realtà.

Abstract: Dietro ogni grande capolavoro, non c'è solo un grande artista, ma anche tante altre persone. Qui si raccontano le avventurose vicende di un mercante che, per avere un po' di colore blu, o un po' di rosso, è costretto a viaggiare per tutto il mondo... Una prima lettura divertente e facile da leggere.