Rete Bibliotecaria della Provincia di Como

Abstract: La seconda rivoluzione digitale, caratterizzata dalla preminenza di Internet, dei social network e della telefonia mobile, e la società ipermoderna, segnata dall'asfissia del consumo, ci hanno catapultati in un'epoca postfotografica, nella quale abitiamo l'immagine nella stessa misura in cui essa ci abita. La postfotografia ci mette di fronte alla sfida della gestione sociale e politica di questa nuova realtà frutto di un'onnipresente iconosfera. Le immagini circolano in rete a folle velocità, non sono piú presenze inerti, e la loro incessante energia cinetica le rende attive, furiose, pericolose… La postfotografia diventa cosí un contesto di pensiero visivo che certifica la smaterializzazione delle immagini e dei loro autori, dissolvendo le nozioni di originalità e proprietà, di verità e memoria.

Abstract: Emblematica della furia censoria nazista, la mostra sull'«Arte degenerata» del 1937 presenta gli artisti d'avanguardia come un residuo sociale perverso e irrecuperabile. In quel clima carico di minacce, un'intera leva di artisti si trovò a dover fuggire dall'Europa e a cercare riparo negli Stati Uniti. Per loro quel grande paese fu prima di tutto l'approdo alla salvezza, poi la possibilità di un nuovo inizio, senza nostalgie né rimpianti. Smentendo una rappresentazione dell'esilio come perdita, il libro mostra come per molti di quei transfughi - da Mondrian a Randinsky, da Moholy-Nagy a Max Ernst - l'esperienza americana coincise con una stagione ricca di creatività, portatrice di straordinari innesti artistici.

Abstract: "Il grande merito dell'autore è quello di fare un’analisi completa, rigorosa e ricca di sfumature di tutti gli effetti indotti dalla nuova porosità tra finzione e realtà». Viviamo nell’«età della finzione». Espressione tutt’altro che neutra, che tuttavia non si accoda, qui, alle attuali querimonie contro lo strabordare di falsità, simulazione e dissimulazione, fake news e manipolabilità del vero, fuori e dentro la Rete. Piuttosto che vestire la toga dei grandi accusatori è indispensabile rendersi conto che nella società massmediale – in cui il consumo ha ormai dispiegato la sua massima potenza – realtà e finzione non costituiscono più una coppia di opposti in tensione agonistica, anzi sono scivolate in una indistinzione a dominanza finzionale che ha trasformato nel profondo gli assetti percettivi, le pratiche quotidiane, la logica dell’intrattenimento, lo statuto stesso dell’informazione. «Un evento che non sia mediatizzato semplicemente non esiste». L’osmosi è iniziata e Massimo Melotti ne scruta il processo con la sottigliezza del critico d’arte, al quale non sfuggono aspetti qualitativi in genere trascurati dalla sociologia dei media, primo fra tutti il prevalere della dimensione estatica, quella fredda e stupefatta fascinazione che non aspira a risolversi, bensì a protrarsi il più a lungo possibile, oltre lo spazio-tempo e i nessi causali. L’estasi si celebra ovunque la spettacolarizzazione abbia eroso il limite che circoscriveva il reale: sugli schermi televisivi, con l’intrusione della fiction nella cronaca e l’apoteosi del reality; nei non-luoghi plurifunzionali e multisensoriali, che mettono in scena innanzitutto i consumatori, o negli allestimenti artificiali di interi contesti naturali, deputati al divertimento di massa; nella comunicazione, con le notizie fagocitate dal «tempo reale»; nel virtuale opaco del Web, che crea effetti di ritorno ancora da decifrare. Fenomeni che continuano a sollecitare schiere di studiosi, ma che le arti visive contemporanee, da Maurizio Cattelan a Vanessa Beecroft, da Francesco Vezzoli a Damien Hirst, hanno saputo disvelare con penetrante anticipazione.

Abstract: Anselm Kiefer ha fatto irruzione sulla scena artistica tedesca nel 1969 con una serie molto controversa di opere dedicate alla Seconda guerra mondiale, capaci di risvegliare dall'amnesia collettiva che regnava in Germania in quel periodo. Da quel momento, la produzione artistica di Kiefer ha espresso ogni volta il rifiuto per il limite, non solo nella sua monumentalità e nella potenza della sua materialità, ma anche nell'infinita ricchezza di risorse con le quali sonda le profondità della memoria e del passato. Tra dicembre 2010 e aprile 2011, Kiefer è stato il primo artista visuale a occupare la cattedra di Creazione artistica al Collège de France di Parigi, dove ha tenuto otto lezioni, seguite dai rispettivi seminari. Questo volume raccoglie le otto lezioni, insieme al discorso inaugurale con cui l'artista ha dato inizio al corso. In risposta all'invito del Collège de France, Kiefer attinge alla letteratura, alla poesia, alla filosofia e ai suoi ricordi personali, nel tentativo di districare e rivelare il processo di sedimentazione e rielaborazione dei temi che circolano, si incrociano e si aggregano per formare la costellazione della sua arte. Queste lezioni formidabili e preziose gettano luce sulla dimensione universale di un artista, la cui opera è attraversata dalla storia, dal mito - greco, assiro e germanico -, dalla religione, dal misticismo ebraico, dalle donne, dalla poesia. Una raccolta di scritti cruciali per la comprensione dell'arte di Anselm Kiefer.

Abstract: I grandi miti greci e romani sono all'origine della nostra cultura artistica e costituiscono la memoria della civiltà europea. In questo libro 60 opere (quadri, mosaici, miniature) permettono al lettore d'incontrare grandi eroi, eroine e divinità della mitologia classica. Classificati per ordine alfabetico, ci lasciano scoprire le loro avventure in modo originale, attraverso uno dei loro tratti caratteristici, un vizio o una virtù: Achille il collerico, Apollo l'innamorato, Ercole il forte, Giunone la gelosa, Pandora la curiosa, Nettuno il rancoroso, ecc. Un piccolo gioco di domande (osservazione, indovinello, quiz) completa il testo e incoraggia il bambino a esplorare visivamente l'opera, in cerca di un indizio rivelatore.

Abstract: Dell'arte come risorsa per la spiritualità si parla molto, senza tuttavia concretamente indicare come l'arte possa alimentare la spiritualità. Un rapporto indeterminato tra due entità indeterminate, perché s'ignora la natura dell'arte, il suo modus operandi, il bisogno che appaga e le modalità di realizzazione dell'esperienza estetica, mentre la spiritualità è un fantasma che assume definite sembianze solo per i credenti praticanti, minoranza sempre più esigua in una società in via di scristianizzazione. In questo saggio vengono perseguiti e realizzati due obiettivi: la comprensione della natura dell'arte e del metodo - prescritto dall'arte stessa - con cui i comuni fruitori possono farla propria, e la definizione della spiritualità laica. La tesi sostenuta è che attraverso l'esperienza estetica l'uomo - il laico possa realizzare un'intensa spiritualità, e che l'arte sia il solo strumento a disposizione della massa degli uomini comuni, privi di un'esperienza religiosa confessionale, per accedere alla spiritualità.

Abstract: Recentemente sono usciti numerosi romanzi in cui l'arte, in particolare quella contemporanea, riveste un ruolo molto importante e che molti scrittori considerano i fenomeni artistici un espressione culturale particolarmente adatta a mostrare la complessità e la problematicità della società attuale. Con questo studio Roberto Pinto cerca anche di indagare in che modo la forma romanzesca possa restituire alcuni aspetti dell'arte contemporanea e campo di sperimentazione rappresentato dagli scambi e dalle aree comuni che si creano tra le due discipline, quelle interferenze e ibridazioni che hanno permesso dei passaggi di ruolo tra artista e scrittore.

Abstract: Non volendo aggiungere altre cose al mondo nasce come eco di pratiche artistiche della seconda metà del XX secolo, in cui la rinuncia alla produzione materiale dell'opera aveva un valore programmatico, filosofico e, inevitabilmente, politico. Nelle opere degli artisti raccontati in questi testi, tale attitudine è declinata in una tensione lievemente differente e tradotta in un agire profondamente radicato nell'esperienza e nell'azione personale. È a partire da qui che l'opera diventa pubblica e capace di intercettare questioni che riguardano il sentire collettivo. Il volume raccoglie recensioni e saggi per libri, riviste, cataloghi, pubblicati dall'autrice nell'arco di due decenni. Il filo del discorso segue un progressivo allargamento di campo – dai singoli artisti alle mostre collettive, dalla decostruzione dei meccanismi espositivi alle dinamiche del mondo dell'arte attuale – tracciando le trasformazioni del concetto di esperienza, ridefinita negli ultimi vent'anni dalle logiche del cosiddetto marketing esperienziale. Tra le conseguenze più evidenti, la riduzione dello spazio di ascolto e dei margini di attenzione per tutto ciò che non è immediatamente fruibile, comprensibile, godibile. Nessun ambito è immune, nemmeno quello dell'arte. Non volendo aggiungere altre cose al mondo, Emanuela De Cecco raccoglie i molti indizi che tracciano comunque l'esistenza di una direzione altra.

Abstract: Dopo il successo nelle indagini sul traffico di opere d’arte, l’ispettore Bernard Bastiani, francese con origini italiane, è stato promosso a Lione all’Interpol, sezione Tutela internazionale del patrimonio artistico. Viene presto contattato dal colonnello Gagliano per indagare su un furto misterioso, che ha qualche elemento in comune con un sequestro. Lisa Miller, figliastra di Anastasio, ultimo discendente della casata dei principi di Sansevero – consiglieri del Regno di Napoli al tempo dei Borboni -, è stata rapita fuori dall’Università Federico II. Dalla Cappella Sansevero, dove è custodito il famoso Cristo velato, è stata sottratta una macchina anatomica, un corpo di donna perfettamente conservato con arti, viscere e vene, realizzata dall’antenato del principe di Sansevero, un esorcista massone che aveva condotto studi ed esperimenti nella convinzione di poter conquistare l’immortalità. Chi è il responsabile del reato? Si tratta di un furto su commissione? E cosa hanno in comune la macchina anatomica e il sequestro della ragazza? Nella cappella ci sono lavori in corso, gestiti da strani operai. L’intrigo s’infittisce e l’ispettore Bastiani, insieme al colonnello Gagliano, sprofonda nell’impero della camorra aggirandosi per i bassifondi di Napoli, che tanto gli ricordano la sua Marsiglia. Da questa vicenda carica di mistero prende le mosse un thriller anomalo, pieno di colpi di scena e risvolti sorprendenti, che portano l’ispettore Bastiani nei meandri di una città affascinante, decadente e tenebrosa. Massimo Nava cattura il lettore fino all’ultima pagina, in una discesa agli inferi che svela a poco a poco i drammi e i conturbanti segreti di Napoli.

Abstract: Sulla spiaggia di Le Baule, mentre le divisioni corazzate tedesche corrono le pianure della Polonia e si preparano a invadere la Francia, l’autore trentasettenne cerca di fissare lo sguardo sulla crisi della cultura europea e di interrogare le ragioni che hanno condotto un’intera civiltà al suo esito catastrofico. Con una scrittura insieme fresca e ambiziosa, Levi sottopone a una critica implacabile la religione (che trasforma il sacro in sacrificio), lo Stato (l’idolo sociale per eccellenza, da cui la politica occidentale in tutte le sue forme non riesce a liberarsi), la guerra, il sangue, la massa, l’amore e l’arte. Ed è solo a partire dalla libertà dischiusa da questa percorso allucinato e quasi profetico che le opere successive di Levi, da Cristo si è fermato a Eboli a L’Orologio acquistano il loro vero senso, che è quello di una testimonianza che non riguarda il passato, ma il nostro presente.

Abstract: 1918-2018. Cento anni dopo, parlare della prima guerra mondiale, ha ancora un senso. La domanda che sottotitola il libro è importante anche oggi: può l'arte (e quello che le sta attorno) guarire dalla guerra? Tre i racconti, tutti nel cuore della grande guerra. Tre le arti che fungono forse da terapia o d'aiuto. Tre gli eserciti, due i fronti di guerra, dove la solidarietà si intreccia con la storia più dura. In appendice note, materiali e documentazione a commento, per capire che dietro al racconto (o all'arte) c'è la storia vera (politica o umana).

Abstract: Quattro anni dopo la sensazionale scoperta del “Bosone di Higgs”, il CERN è alla vigilia di un nuovo, eccezionale esperimento. L’esperimento è insieme un viaggio nel tempo più lontano e nello spazio più piccolo che possiamo immaginare. Così, l’infinitamente piccolo e la vastità dell’universo schiudono le porte di un territorio invisibile, dove gli scienziati sono guidati da qualcosa che li accomuna agli artisti. Tra scienziati che hanno perso l’immagine della Natura, e artisti che hanno smarrito la tradizionale idea di bellezza, attraverso macchinari che assomigliano a opere d’arte e istallazioni artistiche che assomigliano ad esperimenti, emerge un ritratto di attività scientifiche e artistiche come indagine, come immaginazione, come autentico esercizio di libertà. Mentre il nuovo esperimento del CERN procede nella sua esplorazione della misteriosa energia che anima l’universo, scienziati e artisti ci guidano verso quella linea d’ombra in cui scienza e arte, in modi diversi, inseguono verità e bellezza. Tra queste donne e questi uomini alcuni credono in Dio, altri credono solo negli esperimenti e nel dubbio. Ma nella loro ricerca della verità, tutti sono in ascolto di un elusivo sesto, o settimo, senso… il senso della bellezza.

Abstract: Da quasi due millenni l'immagine di Cristo appare nelle opere d´arte di tutto il mondo, con sembianze diverse, ma sempre riconoscibili: da Re dei Re a Signore Onnipotente, da gentile rabbino ad amico compassionevole, a essere umano sofferente. Ogni civiltà, ogni epoca e ogni singolo artista ha la sua immagine di Gesù. Gesu' Nell' Arte utilizza le più moderne tecnologie digitali di morphing per presentare i Suoi mille volti e propone uno straordinario viaggio attraverso la storia dell'arte, a partire dalle iconografie religiose delle origini, alle opere dei grandi maestri della pittura, fino alle immagini più ardite degli artisti contemporanei. Il tema della rappresentazione del divino, nel corso dei secoli, ha subito numerose trasformazioni ed è stato oggetto di critiche e dibattiti, ma ha anche dato vita a capolavori immortali, apprezzati per la loro bellezza e intensità, al di là del loro valore religioso.

Abstract: Impalpabili, evanescenti, i sogni sono creature fragili, che svaniscono nella memoria pochi momenti dopo la loro apparizione. Sono nostri, li facciamo noi («stanotte ho fatto un sogno...»), e però questi grandi suscitatori di immagini, sensazioni, emozioni, visioni sfuggono completamente al nostro dominio. Il libro accompagna il lettore in un viaggio nella terra dei sogni, là dove abitano quelli degli antichi, quelli dei moderni, e quelli che da tempo immemorabile visitano le notti dell'umanità, perché comuni a tutte le epoche. Nitidi o vaghi, enigmatici, spaventosi quando assumono i contorni dell'incubo, confusi o assurdi, spesso sono più emozionanti di un film, più commoventi di una poesia, più comici di qualsiasi gag che la mente (conscia) possa escogitare, donano momenti di perfetta felicità oppure di scorato smarrimento. A differenza di noi, che i sogni li «facciamo», i Greci e i Romani li «vedevano»; per loro i sogni cadevano prima di tutto sotto l'organo della vista. Anche per questo il nostro viaggio è accompagnato da un ricco corredo di immagini che dispiegano il modo in cui i sogni sono stati «visti» da una miriade di artisti, dall'Antichità al Medioevo e al Rinascimento, dall'Ottocento fin dentro l'epoca contemporanea, a testimonianza dello straordinario potere germinativo della materia onirica, serbatoio simbolico inesauribile.

Abstract: Dalla mucca gialla di Franz Marc al mosaico dei pesci dell'antica Pompei, passando attraverso la scultura di Pablo Picasso e i dipinti degli aborigeni australiani. Un giro del mondo e un viaggio nel tempo per conoscere l'arte parlando di animali... e per conoscere il mondo degli animali parlando di arte.

Abstract: L'arte, dice William Kentridge, è forma di conoscenza di per sé. Non è una semplice integrazione del mondo reale, né la si può considerare solo nei termini razionali delle discipline accademiche. Il perimetro dell'atelier è il luogo cruciale per la produzione del significato: è qui che il pensiero lineare cede il passo a occhio, mano, carta e carboncino, a quei mezzi materiali che danno impulso alla creatività. L'atto di disegnare, lo sporcarsi le mani, ha il potere di introdurci ai temi più complessi del nostro tempo. A Kentridge sta a cuore il modo in cui attribuiamo struttura e senso all'esperienza: ci sforziamo di intravedere nella forma delle nuvole una sagoma familiare e assembliamo dei pezzetti di carta per innescare in chi guarda un riconoscimento immediato. Questa forte esigenza di significato è presente non solo nel nostro guardare le ombre delle cose, ma in tutto ciò che vediamo, anche nella nostra lettura della realtà geografica e politica. Per illustrarci i meccanismi - spesso illusori - per mezzo dei quali ricostruiamo il significato del mondo, l'autore usa la lingua e gli strumenti della logica come fossero la carta e il carboncino con cui dare corpo a un'idea.

Abstract: Nulla nell'arte è ciò che sembra. Così anche il titolo di questo libro non è ciò che sembra. Vraghinaròda. Pare il titolo di un antico poema epico indiano, invece è un gioco su un'espressione russa che significa nemici del popolo. Perché è di loro che si parla in queste pagine. Dei feroci odiatori del popolo (e del pop) che infestano l'arte con chiacchiere nebbiose, performance comiche e concettualismi fragili. Sfaccendati Charlie trasgressivi e situazionisti con lo spirito da scuola media. Sedicenti critiche d'arte che hanno fatto scenografia a Brera. Sofisticati curators francofili beccati in metropolitana alle prese con le parole crociate facilitate. Impiegati che sognano il grande salto nell'arte. Falsi corrispondenti da Londra di prestigiose riviste che in realtà organizzano estemporanee per la Pro Loco. Compilatrici di libri che ti spiegano cos'è l'arte contemporanea con stile da Mamma Oca. Giovani genitori delle New Urban Families che alla domenica portano i figli nei laboratori creativi dei musei. Perché quando si tratta di arte non serve essere. Basta credere di essere.

Abstract: Lei si chiama Denise Cozzoluto, ma tutti la chiamano Denise la Cozza. Viene dal Sud e vive a Milano in un palazzone multietnico con mamma, papà, il fratello mononeuronico e la nonna spacciatrice di santini. Il suo non è certamente un fisico da velina (oscilla tra la taglia 46 e la 48), ma ha un sogno, un'idea ben chiara in testa fin da quando era piccola: vuole lavorare in televisione. E chi se ne frega se non è alta, non è magra, non ha fidanzati famosi e non frequenta le feste dei potenti. Lei è intelligente, sveglia, ironica. E crede in se stessa. Per un gioco del destino, Denise si trova catapultata dietro le quinte del mondo dello spettacolo, dove incontra Elisabetta Canalis fuori dall'ascensore, mangia a fianco di Alba Parietti (senza trucco), riceve un motorino direttamente da Gerry Scotti, e se la vede con segretarie magrissime, direttori squali, e ragazze tutte uguali a Barbie (capacità cerebrali comprese). Ed è proprio a questo punto che deciderà di trasformarsi in una Robin Hood della televisione, pronta a fare piazza pulita di tutte le facce inutili che popolano, senza motivo apparente, il piccolo schermo. E quando meno se lo aspetta, troverà anche l'amore.

Abstract: Tra il 1935 e il 1940, l'anno della sua morte, Benjamin lavorò a più riprese al suo saggio più importante: "L'opera d'arte nell'epoca della sua riproducibilità tecnica". Il saggio s'interroga sul destino dell'arte nel contesto delle trasformazioni radicali indotte dall'invenzione e dalla diffusione di nuovi dispositivi tecnologici quali la fotografia e il cinema. Con somma lucidità Benjamin coglie nel tratto che accomuna queste nuove forme dell'arte (la riproducibilità tecnica capace di annullare la distinzione tra originale e copia) lo sconvolgimento del tradizionale rapporto tra il pubblico e il mondo dell'arte. Soggetti della fruizione estetica, con la diffusione della macchina fotografica e soprattutto con il cinema, non sono più isolati individui che sprofondano nella contemplazione di un quadro o nella lettura di una poesia. Sono, piuttosto, le masse: una folla anonima, abituata tanto ai ritmi convulsi della produzione industriale quanto agli choc subiti nella quotidianità delle moderne metropoli. Ma la profetica analisi di Benjamin si spinge ben oltre l'ambito estetico. Negli stessi anni in cui nazismo e fascismo minacciavano di prevalere e di cancellare la buona tradizione europea, Benjamin vede profilarsi una nuova epoca del rapporto tra arte, tecnica e politica. Un'epoca che non concede spazio a sconsolati rimpianti per il cattivo tempo che fu e che riguarda il nostro stesso presente. Di qui la rinnovata attualità di questo saggio, che costituisce un momento decisivo di quella riflessione sul Moderno che Benjamin avvia nella grande opera, non terminata, sui Passages parigini. Seppur non incompiuto, il saggio sull'opera d'arte si presenta come caratterizzato da una pluralità di stesure e da un'avventurosa vicenda editoriale che ne fanno un lavoro ancora alla ricerca di uno sviluppo teorico e di un'esposizione adeguati alla complessità e profondità della sua intuizione originaria. Appunto allo spirito e alla lettera di tale complessità la presente edizione intende rimanere fedele, offrendo al lettore italiano le cinque stesure del saggio scritte tra l'autunno del 1935 e l'estate del 1936.

Abstract: Eros, Corpo e Notte sono figure simboliche perlopiù escluse dalle forme di riflessività, dagli approcci di ricerca e dai linguaggi che dominano la nostra cultura da tempo guidata da un pensiero astratto, distanziante e chiarificatore. Anche quando le esperienze legate all’Eros al Corpo e alla Notte divengono temi di riflessione pedagogica la tendenza diffusa è di analizzarle “dalla parte della luce”, di inserirle nelle categorie attinte dai saperi scientifici che affollano il campo dell’educazione, di disciplinarle o controllarne la carica dirompente imbrigliandole in rigorosi discorsi concettuali. La ricerca immaginale propone di riconoscere e meditare queste e altre dimensioni della vita e dell’esperienza educativa rivolgendosi al sapere umbratile, sensuale e magmatico condensato in opere d’arte di particolare densità simbolica, affidandosi ad una modalità conoscitiva ricettiva, affettiva e partecipativa che mira a riconnettere il nostro sguardo al corpo animato del sapere e del mondo. Il testo raccoglie tre ricerche di “pedagogia immaginale” orientate da questo approccio che attraversano i mondi simbolici dell’Eros (Valentina Meggetto), del Corpo (Elisa Rossoni) e della Notte (Sara Riva) elaborati dall’immaginazione creatrice di artisti dallo sguardo diffuso, spregiudicato e appassionato come Pablo Neruda, Stephen Frears e Johannes Brahms; Francis Bacon, Dylan Thomas e Kim Ki-duk; Rainer Maria Rilke, Stanley Kubrick e Mark Rothko.