Rete Bibliotecaria della Provincia di Como

Abstract: Che cos'è l'arte? Perché accompagna la storia dell'uomo? A che cosa serve e come si riconosce? Queste e altre domande sorgono con spontaneità in tutti coloro che entrano in un museo o in una galleria, che si soffermano durante un viaggio ad ammirare i monumenti di una città. Per apprezzare e capire davvero l'arte bisogna imparare a riconoscere gli stili, a distinguere il linguaggio gotico da quello barocco, il moderno dal postmoderno, a comprendere la differenza tra bellezza e gusto, a cogliere il segreto della prospettiva e del canone. Ma è bene anche sapere cosa sono un affresco e una tempera, un acquerello e un'incisione, cos'è il colore e come si muove il mercato. In questo libro Zecchi suggerisce in che modo avvicinarsi all'arte.

Abstract: Alcuni sanno fin da subito a che vita sono destinati e quale attitudine si rivelerà tanto spiccata da plasmare il futuro. Altri, invece, sentono di possedere una caratteristica singolare che, tuttavia, non sono ancora capaci di esprimere e dovranno viaggiare a lungo prima di arrivare a destinazione. Narciso e Boccadoro è il racconto degli uni e degli altri, e dell'apprendistato alla vita di due amici, l'erudito Narciso e l'inquieto Boccadoro, dai caratteri opposti e complementari. Il volume è corredato da esclusivi contenuti extra, spunti e approfondimenti nella cultura contemporanea: film e serie TV, musica, arte, libri, fumetti e graphic novel.

Abstract: Un giovane studioso inglese di storia dell'arte, Jonathan Argyll, conclude la propria tesi sul pittore settecentesco Carlo Martini, sostenendo che sotto un suo quadro si cela un Raffaello. Ma non appena riesce a tornare a Roma, per verificare la supposizione, scopre che il quadro è sparito. Viene informato che il dipinto è stato regolarmente venduto ad un mercante d'arte. Il quadro viene messo all'asta e Jonathan sospetta che ci sia sotto qualcosa di losco. La sera dell'asta il quadro finisce distrutto in un incendio. A questo punto il giovane e la dottoressa Flavia Di Stefano, della squadra speciale per il recupero delle opere d'arte, si convincono che non è stata una fatalità, ma ignorano che l'indagine per scoprire la verità può costare loro la vita...

Abstract: Tra il 1935 e il 1940, l'anno della sua morte, Benjamin lavorò a più riprese al suo saggio più importante: "L'opera d'arte nell'epoca della sua riproducibilità tecnica". Il saggio s'interroga sul destino dell'arte nel contesto delle trasformazioni radicali indotte dall'invenzione e dalla diffusione di nuovi dispositivi tecnologici quali la fotografia e il cinema. Con somma lucidità Benjamin coglie nel tratto che accomuna queste nuove forme dell'arte (la riproducibilità tecnica capace di annullare la distinzione tra originale e copia) lo sconvolgimento del tradizionale rapporto tra il pubblico e il mondo dell'arte. Soggetti della fruizione estetica, con la diffusione della macchina fotografica e soprattutto con il cinema, non sono più isolati individui che sprofondano nella contemplazione di un quadro o nella lettura di una poesia. Sono, piuttosto, le masse: una folla anonima, abituata tanto ai ritmi convulsi della produzione industriale quanto agli choc subiti nella quotidianità delle moderne metropoli. Ma la profetica analisi di Benjamin si spinge ben oltre l'ambito estetico. Negli stessi anni in cui nazismo e fascismo minacciavano di prevalere e di cancellare la buona tradizione europea, Benjamin vede profilarsi una nuova epoca del rapporto tra arte, tecnica e politica. Un'epoca che non concede spazio a sconsolati rimpianti per il cattivo tempo che fu e che riguarda il nostro stesso presente. Di qui la rinnovata attualità di questo saggio, che costituisce un momento decisivo di quella riflessione sul Moderno che Benjamin avvia nella grande opera, non terminata, sui Passages parigini. Seppur non incompiuto, il saggio sull'opera d'arte si presenta come caratterizzato da una pluralità di stesure e da un'avventurosa vicenda editoriale che ne fanno un lavoro ancora alla ricerca di uno sviluppo teorico e di un'esposizione adeguati alla complessità e profondità della sua intuizione originaria. Appunto allo spirito e alla lettera di tale complessità la presente edizione intende rimanere fedele, offrendo al lettore italiano le cinque stesure del saggio scritte tra l'autunno del 1935 e l'estate del 1936.

Abstract: Mario De Micheli si occupa, in questo saggio, di quegli artisti che si sono trovati ad agire in contesti di oppressione e repressione delle libertà di espressione artistica, che hanno riflettuto sulle implicazioni sociali del loro ruolo e sulle finalità politiche dell'arte. In primo piano figure quali Picasso, i muralisti messicani, o gli artisti italiani vicini alle idee di Corrente, ossia quanti hanno cercato soluzioni formali ed espressive in grado di trasmettere i valori civili oltre che estetici. A tenere il filo del discorso, nella molteplicità degli artisti trattati e nella ricchezza documentaria dell'opera, è il nesso fra arte e libertà, fra espressione creativa e realtà sociale e politica.

Abstract: Scritto nel 1903, il racconto è la storia del lento pervenire del giovane Kröger alla coscienza della propria diversità dai coetanei. In una condizione di totale isolamento la sua sensibilità si dibatte nell'antinomia tra origini borghesi e attrazione per l'arte. Il contrasto fra arte-malattia da un lato e borghesia-normalità dall'altro - matrice della poetica di Thomas Mann - si manifesta nel silenzioso idillio con Ingeborg Holm e nell'incompresa amicizia per Hans Hansen: le due figure che costituiranno per sempre i limiti della solitudine e della gelosia di Tonio. Questo difficile equilibrio viene vissuto con drammatica inquietudine tra Lubecca, dove il giovane scrittore è nato e si è formato, e Monaco, dove diventerà celebre, senza sedare del tutto le proprie angosce.

Abstract: Wilde era riuscito a creare di sé un romanzo a forti colori; aveva giuocato l'anima e il corpo al gioco d'azzardo della celebrità e il mondo credette di dovergli qualche compenso. Lo prese in parola nella famosa confessione: ho messo tutto il mio talento nella letteratura. E serba nitida l'immagine dell'uomo in una galleria di ritratti eccentrici e diabolici. (Emilio Cecchi)

Abstract: Come si studia l’arte del nostro tempo? Sulla base della propria esperienza di storico dell’arte contemporanea, critico militante e docente, Enrico Crispolti rivendica in questo volume la pari dignità di una storiografia del contemporaneo rispetto allo studio dell’arte del passato, in una continuità di impostazione metodologica entro la quale, tuttavia, subito si manifestano specifiche diversità, che ne fondano l’autonomia disciplinare. Se infatti, dopo almeno un secolo di movimentate vicende, per comprendere l’arte contemporanea ci si deve muovere lungo le linee della ricostruzione storica, strettamente complementare risulta l’attenzione ai suoi ulteriori svolgimenti attuali, ambito peculiare dell’esercizio critico. E la complementarità fra storiografia e critica non è operazione accessoria e opzionale, ma costituisce un’impostazione metodologica specificamente rivolta allo studio di questa disciplina. Tanto più che le novità linguistiche e di visione del mondo della ricerca artistica offrono nuove chiavi di lettura per l’arte del passato, recente e anche remoto. Attraverso l’analisi di comportamenti, problemi, strumenti, queste «lezioni», si presentano come una vera e propria introduzione all’arte contemporanea, una sorta di «guida» attraverso questo universo articolato e problematico, che ci conduce a un più consapevole apprezzamento dell’arte del nostro tempo.

Abstract: Conoscere e produrre. L'opera viene incontro alla nuova tendenza di dare maggiore importanza alla contemporaneità, in senso largo, in tutti i campi culturali. Oltre a rivolgersi agli insegnanti quale sia la loro area di competenza e a quelli che a diverso livello si occupano di educazione artistica, l'opera si rivela di grande utilità anche per un pubblico che voglia orientamenti non superficiali e convenzionali sull'arte del XX secolo. Una caratteristica dell'opera, di grande rilievo, è il fatto che l'autore, basandosi su sue numerose esperienze, sostiene la necessità di un'attività produttiva artistica per tutti strettemnte legata al progredire delle conoscenze nel campo dell'arte. Perciò approfondisce problemi riguardanti materiali, tecniche, i vari elementi della composizione, l'originalità stilistica e dimostra come la produzione artistica personale, in forme accessibili a tutti, da una parte favorisce lo sviluppo della conoscenza e della sensibilità nei riguardi dell'arte, dall'altra offre nuova opportunità di espressione. Francesco De Bartolomeis, pedagogista e studioso di problemi d'arte, è professore emerito dell'Università di Torino.

Abstract: In questa Storia universale dell'arte, il fenomeno della nascita degli stili e dell'evoluzione delle forme viene valutato in una visione unitaria, attraverso l'intero complesso delle sue manifestazioni: dalle origini, collocate nel più antico stadio culturale dell'umanità, il Paleolitico, alle inquietudini del Novecento, fino all'epoca detta del Postmoderno. E' un'opera ideata secondo una trattazione organica dell'arte nel suo sviluppo storico. Speciale rilievo è dato all'analisi delle complesse relazioni che collegano tra loro i fatti artistici, senza dimenticare l'originale contributo delle arti extraeuropee. Alla scultura e all'architettura sono dedicati saggi autonomi, così come spazio particolare è riservato alla storia della fotografia e ai musei d'arte.